IL PIANETA DEGLI UOMINI SPENTI (1961)

Per un periodo relativamente breve (tralasciando comunque il filone post-atomico e il fantasy), anche il cinema italiano conobbe la fantascienza attraverso Mario Bava ed il suo "Terrore nello spazio" ma sopratutto grazie ad Antonio Margheriti che, coraggiosamente, presentò al mondo una serie di film dotati di grandi idee ma straordinariamente poveri nella loro messa in scena.

Fra questi "Il pianeta degli Uomini Spenti" stupisce per intelligenza e verve creativa del suo insieme, purtroppo penalizzato da battaglie stellari che sembra fatte col cartone e rappresentazioni aliene un pò ridicole sopratutto nel finale. Uscito successivamente al suo primo tentativo di space Opera "Spaceman", affronta il tema del pianeta morto che Bava rielaborerà 4 anni dopo con il suo capolavoro, rispetto al film di Bava però, dove erano i terrestri a giungere sul pianeta, qua è l'intero pianeta, mosso da volontà aliene ormai estinte, a minacciare la terra in forma di gigantesco Meteorite vivente che spara dischi volanti ogni qualvolta la terra tenti di avvicinarvisi. La poetica della civiltà morta che attacca la terra quasi per inerzia rende bene il concetto formale dell'assolutà piccolezza del nostro pianeta nei confronti dell'universo e delle sue meraviglie.

Nel cast brilla in modo assoluto il grande "uomo invisibile" Claude Rains ormai avviato verso il declino sia fisico sia professionale ma ancora dotato di carica espressiva attraverso gli enormi occhiali a fondo di bottiglia che ne esaltano uno sguardo tra i più allucinati nella storia del cinema. La sua interpretazione da al film quella marcia in più che ne alimenta la profondità emozionale elevandolo a molto più di un semplice filmetto da guerra spaziale. Nel cast si riconoscono anche esordienti di allora che diventeranno famosi quali  Renzo Palmer, Umberto Orsini e Giuliano Gemma. Il film fu rieditato nel decennio successivo con il pessimo titolo "Battle of the worlds" tentando di spacciarlo sulla falsariga di Guerre stellari.

Per vederlo o scaricarlo (il film è in public domains) cliccate qui sotto  (versione inglese con sottotitoli in Ita da attivare)

http://www.arcoiris.tv/modules.php?name=Xvid&id=8713

NUDA PER SATANA (1974)

E venne il delirio... come Renato Polselli e anche più, Luigi Batzella (alias Paolo Solvay) realizza una delle pellicole più aberranti ( dal punto di vista cinematografico) e demenziali (dal punto di vista narrativo) che si conosca nel panorama di genere degli anni '70. Quel che è peggio in "nuda per Satana" non è tanto la confusione e la noia che emergono prepotenti dai fotogrammi, quanto la fastidiosa autoreferenzialità di un mestierante decisamente al di sotto delle sue possibilità.Raggiungere vette così basse era difficile ma il tentare di vendere al mondo il fatto che si cerca di girare un film artistico è forse la peggior colpa di Batzella, del quale, a livello di opera cinematografica di serie Z, preferisco senz'altro il più divertente "La bestia in calore ".

Qui troviamo la formosa e decisamente poco espressiva Rita Calderoni, già attrice prediletta da Polselli in "Riti, magie nere e segrete orge nel trecento " e "Delirio caldo", che spalanca gli occhioni e le cosce nella scena più scult della storia, ovvero lei imprigionata in una ragnatela fatta di corde da pescatore, mentre urla e si dimena minacciata da un ridicolo ragno di peluche e fil di ferro che viene palesemente spinto dai tecnici fuori campo. Una scena talmente grottesca e inutilmente lunga, da rasentare il ridicolo ai massimi livelli.

Per il resto la trama non lascia molto spazio all'interesse dello spettatore. C'è questo medico (Stelio Candelli) che deve raggiungere un casolare, sbaglia casa e incontra quello che poi si tramuterà nel diavolo (James Harris) o qualcosa del genere. Dopo aver assistito ad un incidente sulla strada, il dottore estrae dall'auto Susan (La Calderoli) e la porta all'interno di un misterioso castello che scova nelle vicinanze. Dopo è tutto un susseguirsi di rincorse e incontri con degli apparenti doppelganger dei due protagonisti appartenenti a epoche diverse.Qui Batzella lavora più di montaggio che altro riproponendoci ossessivamente sempre le stesse scene, la noia quindi viene sbalzata dal deja vu e il deja vu trova il suo zenith quando i due si trovano in mezzo a deliranti orge in cui il diavolo vestito come il Mago Silvan ride in continuazione trastullandosi con ancelle ignude e amanti del body painting che ballano felici in mezzo alla spoglia scenografia di una stanza adornata con teschi e fiammelle. Tra una scena di sesso saffico ultrapatinato, una rincorsa nei cortili del castello girata da angolazioni ardite e la faccia del maggiordomo sghignazzante (Renato Lupi) il film procede stancamente verso il finale in cui si rivela tutto un sogno, si, un sogno...come quello dello spettatore di riavere i soldi del biglietto all'uscita del cinema!

La ragazza che sapeva troppo (1963)

Sulle note di "Furore" ottimo brano pop cantato da Adriano Celentano, inizia uno dei film che determineranno per la prima volta in Italia le regole del giallo, quelle stesse regole seguite un pò da tutti i registi di genere del successivo decennio. Partendo da un titolo che ricalca esplicitamente il cinema Hitchcockiano, Mario Bava forgia in un cupo bianco e nero un vero e proprio incubo in celluloide, che, sopratutto nella prima mezz'ora lascia senza respiro. Bava in compagnia di Enzo Corbucci mette in scena, sette anni prima di L'uccello dalle piume di cristallo  la storia di un turista americano (in questo caso una donna,  l'attrice Letícia Román) che giunta in vacanza a Roma, ospite di una vecchia parente, finisce per passare una notte di puro terrore quando la vecchia muore nel suo letto (in una sequenza che Bava riprodurrà anche nel suo successivo capolavoro I tre volti della paura ).

La ragazza (che si chiama Nora) esce di casa per cercare soccorso ma trovatosi sola fra le antiche e deserte strade notturne della capitale, assiste all' omicidio di una donna. Nora cerca di allontanarsi ma inciampa e batte la testa, verso l'alba un uomo le passa accanto e le da da bere del whisky da una fiaschetta cosicchè il poliziotto che la trova stessa sul selciato pensa ad un'ubriacona di passaggio. Fortunatamente per Nora ci penserà l'aitante medico John Saxon ad aiutarla a scoprire il misterioso caso in cui è coinvolta, che ha come protagonista un fantomatico serial killer che uccide seguendo uno schema alfabetico.

Pur nella sua estrema semplicità strutturale, "La ragazza..." è un film che mantiene tutte le sue promesse, snocciolando emozioni a tutt'andare, arricchito da ottimi attori sia americani che italiani (tra cui spicca la bravissima Valentina Cortese) e impreziosito da una fotografia noir di gran classe che solo il maestro Bava sapeva regalare nei suoi film, che pur se a basso costo rappresentano senza dubbio una scuola di cinema preziosa per tutti gli autori nel mondo. Il tocco finale, geniale escamotage ironico, tende a ribaltare tutto quello che si è visto finora, piccola firma personale del nostro amato regista che amava giocare con il dualismo finzione cinematografica/realtà di quello che effettivamente si vede.

Un bianco vestito per Marialé (1972)

Già il nome della protagonista (Marialè???) dovrebbe indurci a sospettare non che siamo davanti al solito Thriller all'italiana, certo gli elementi classici ci sono tutti, i flashback di un trauma subito in gioventù (l'uxoricidio della madre sorpresa in camporella con l'amante subito dopo i titoli di testa), il solito maniero con tanto di inquietante maggiordomo che risponde al nome di Osvaldo (interpretato dal volto scavato e minaccioso di  Gengher Gatti), il solito raduno di ricchi annoiati, il solito marito possessivo e autoritario (interpretato dal solito Luigi Pistilli) che obbliga Marialè a prendere psicofarmaci con la forza, il solito ragazzone aitante che piace tanto alla padrona di casa (interpretato anche lui dal solito Ivan Rassimov) il solito omicida che, nascosto nell'ombra, uccide uno a uno tutti gli invitati e, dolcis in fundo, la solita mulatta libertina che balla nuda in giro per le stanze (anche in questo ruolo la solita Pilar Velázquez).

Insomma tutto fa intendere che questo film avrà gli stessi canoni del giallo italico se non fosse che il regista è quel Romano Scavolini trasferitosi di seguito all'estero per girare il suo cult di maggior successo, ovvero il sanguinosissimo e bannatissimo Nightmare di cui parlammo qualche anno fa su queste pagine.

La storia della ricca e schizzata Marialè che organizza, di nascosto al marito, possessivo e violento, un ritrovo di amici e faccendieri al castello, per vincere la noia della sua perpetua reclusione, che si trasforma a sua volta in un gioco al massacro da parte di un misterioso omicida, ricorda molto da vicino la trama di "Dieci Piccoli indiani" e la noia regnerebbe veramente sovrana con un plot così esile e straabusato, se Scavolini da parte sua, non trovasse l'occasione di sperimentare visivamente la sua ambizione cinematografica. Ecco quindi soggettive elaborate come quella dove si vede dal punto di vista di una vittima sbranata dai cani (veramente d'effetto), inquadrature ardite, scenografie suggestive come quella dove gli invitati si truccano e si vestono con costumi ottocenteschi in mezzo a coloratissimi manichini e, incredibile ma vero, una recitazione che non scende mai sotto i livelli di guardia. Certo il soggetto è quello che è, quindi gli sceneggiatori Remigio Del Grosso e Giuseppe Mangione calcano la mano sull'aspetto psicologico della vicenda, esagerando con la ramificazione della trama che spesso e volentieri diventa confusionaria e totalmente sballata. Ottimo il commento musicale realizzato da Fiorenzo Carpi ed eseguito dal bravo Bruno Nicolai che marca bene gli accenti psichedelici del film.

MATANGO (1963)

A tutti gli effetti Ishirô Honda sarà ricordato sopratutto per la sua predilezione nei confronti dei mostri giganti (se qualcuno ancora non lo sapesse è il regista del primissimo Gojira e di molti capitoli successivi della saga dei Kaiju Eiga), tuttavia il suo capolavoro assoluto è paradossalmente un film come Matango dove ci sono mostri, ma della stessa altezza degli esseri umani e dove non contano tanto trucchi, effetti speciali e modellini esplosivi ma la recitazione, le atmosfere e sopratutto la metafora, elemento primario di questa pellicola.  Un gruppo di alto borghesi giapponesi in vacanza su uno yacht naufragano su un isola apparentemente deserta e completamente priva di vegetazione. In principio trovano un relitto precedentemente arenatosi sulla spiaggia al cui interno il personale è misteriosamente svanito nel nulla, ma poi gradualmente cominciano a ricevere misteriose visite da parte di un essere ributtante. La scarsità di cibo induce il gruppo ad avventurarsi nella foresta dove scoprono che l'unico vegetale commestibile è uno strano ed enorme fungo che cresce sotto gli alberi. Ben presto chi si ciberà del fungo non potrà più farne a meno dando vita a una mostruosa automutazione in enormi e bubbosi funghi.

Nonostante l'excursus anomalo per un regista abituato al cinema spettacolare e disimpegnato, lo sviluppo della trama appare perfetto con un crescendo esaltato ancor di più dalla graduale trasformazione psicologica dei personaggi tra cui spicca senza dubbio Kumi Mizuno, splendida quanto inquietante regina del bel canto radiofonico. In particolare le atmosfere del film cambiano in continuazione, si parte dal lato quasi comico dell'inizio in barca, passando all'horror fino all'apocalisse lisergica del finale dove tutto assume un'atmosfera di fiaba mescolata con acido lisergico, a questo punto si riesce a giustificare tutto, anche i mostruosi e gommosi uomini fungo che si aggirano nei boschi ridendo con quel tono cavernoso difficile da dimenticare.

Per quanto riguarda invece le metafore sarebbe troppo facile limitarsi al gioco di ruolo tenuto dalla solita bomba atomica rappresentata dall'uomo fungo, qui entrano in gioco attacchi alla società borghese e allo smodato sviluppo della droga nel tessuto sociale nipponico. A mio parere, metafore a parte, il tutto si risolve in un mirabile, affascinante e sentito omaggio al cinema di fantascienza occidentale e ad un certo tipo di fantasociale che avrebbe di lì a poco preso piede con successo nel cinema di genere mondiale. 

QUALCOSA STRISCIA NEL BUIO (1971)

Non fosse stato per questo film, opera seconda e ultima, nessuno ricorderebbe Mario Colucci se non per un pugno di sceneggiature neanche troppo interessanti nel genere thriller italiano. A dir la verità neanche "Qualcosa striscia..." è da considerare poi un prodotto significativo non fosse per l'uso sapiente delle atmosfere fantasmifiche che esala la pellicola, mantenendo un buon equilibrio di attenzione all'interno di un plot dove praticamente non accade nulla, non si vede niente e tutto si conclude con una serie di rumoracci, risate sataniche e tremolii di porte e mura. Del resto il tema della presenza invisibile è uno dei più economici nel cinema horror e infatti ha rappresentato, sopratutto nel periodo fine sessanta inizi settanta, uno dei temi prediletti per un cinema povero di mezzi come quello italiano. Povero di mezzi si ma, intendiamoci, ricco di idee e sopratutto di espedienti.

La storia sembra quasi un remake dell'ottimo "Contronatura" di Margheriti anche se qui le atmosfere morbose ed equivoche latitano, qualche nudo di ripiego lo si trova sopratutto grazie a Giulia Rovai, la ragazza di Joe (Gianni Medici) il proprietario della villona dove un gruppo di viaggiatori notturni si rifugia a seguito della piena che ha interrotto la strada nel bel mezzo della notte. Fra i viandanti c'è anche un terribile serial Killer Spike (Farley Granger) e l'ispettore di polizia (Dino Fazio) che lo ha arrestato dopo un forsennato inseguimento automobilistico.

Il gruppo si ritrova quindi sotto il tetto della malvagia Lady Marlowe, defunta nobile lasciva e perversa che anche dall'aldilà troverà il modo di uccidere e terrorizzare i suoi ospiti. Si deve dare atto a Loredana Nusciak di essere l' unica attrice al mondo ad interpretare il film solo in fotografia, Resta comunque una presenza inquietante che pervade tutto il film fino alla sua chiusura. Insomma Colucci riesce a fare un horror dove il mostro è costituito da una foto in bianco e nero e questo è un merito non da poco (chisà quanti registi nipponici ci hanno ricamato sopra nei loro film!), per il resto siamo di fronte a un prodotto medio dell'epoca, onesto nell'insieme ma non memorabile.

Nel cast anche Lucia Bosé e il sempiterno Giacomo Rossi-Stuart, presenza imponente e immortale del nostro cinema ma sopratutto del cinema di genere.

MARTYRS (2008)

Uno dei titoli di punta del nuovo horror francese, un pugno allo stomaco senza precedenti ai danni dell'incauto spettatore che cercasse di avvicinarsi alla sala cinematografica non preparato spiritualmente. Con queste premesse ci si aspetterebbe di trovarsi davanti l'ennesima cavolata alla Saw o a qualche clone di Hostel. Invece no, cari miei, Martyrs è il classico film che non t'aspetti ed è proprio quando pensi di aver visto tutto ecco che si ricomincia daccapo. Un film che sembra finire ogni mezz'ora ed ogni volta riparte, merito della sceneggiatura scritta dallo stesso regista Pascal Laugier che riesce a rendere un soggetto altresì banale e stravisto, un qualcosa di nuovo e strabiliante.

Inutile dirvi che anche solo raccontare l'inizio della trama ci si rovinerebbe il gusto di scoprire le cose da soli e io non vi farò questo torto, mi limiterò solo a citare i riferimenti a Suspiria ( (Laugier è un fan diDario Argento ed infatti dedica l'intero film al regista romano), a Clive Barker (sopratutto nel finale), straordinariamente qualcuno troverà anche qualche riferimento ad una vecchia storia a fumetti apparsa sulla rivista Splatter della Edizioni ACME, storia ripresa in seguito anche dal bravo Alex Visani nel suo cortometraggio La Soglia.

Non è comunque un caso che, dopo questo film Laugier sia stato scelto per il remake di "Hellraiser ".

Martyrs si sviluppa in tre fasi distinte che potremmo definire quasi dei gironi, a tratti sembra rievocare La Divina Commedia di Dante con un inferno iniziale sulla terra, un purgatorio e un paradiso finale andando a concludersi con una sorta di spiegazione misticheggiante che sfocia nel beffardo. Non so per quale motivo ma ci ho trovato molto di Society  di Brian Yuzna e un ironico riferimento all'ultimo geniale episodio del film "Adrénaline " (ve lo ricordate?). In sostanza un film dal plot narrativo non originale ma strutturato in modo da esprimere nuovi concetti di cinema, con un ottima caratterizzazione dei personaggi, sopratutto le due ragazze protagoniste (Morjana Alaoui e Mylène Jampanoï) , molta violenza (sopratutto psicologica), un pò di Gore (ma poco, pochissimo rispetto a quanto ci si aspettava di vedere) e quella disturbante sensazione che, da un momento all'altro, ci si para davanti qualche scena tratta daFaces of Death. Non ci si spaventa molto ma la tensione è elevatissima, sopratutto perchè Laugier ribalta completamente il linguaggio dell'horror contemporaneo per creare qualcosa di nuovo che non è più un horror, nè un thriller nè un film d'exploitation ma tutto quanto insieme, in un calderone infernale difficilmente dimenticabile.

CONTRONATURA (1970)

C'è un particolare affiatamento tra le opere di Antonio Margheriti e il periodo gotico di Roger Corman ed nello specifico riguardo alla messa in scena di pellicole come questa, dove la resa appare decisamente elegante pur essendo allo stesso tempo scarna. Ma sono i colori e le inquadrature che differenziano il maestro italiano dal re del low budget d'oltreoceano. Margheriti ha sempre cercato angoli particolari da cui riprendere la scena e la sua visionarietà non si fermava certamente davanti ad un budget risicato. Si narra infatti che le inquadrature dall'alto e i conseguenti movimenti della MDP che si alzava verso i volti dei protagonisti intenti a celebrare una seduta spiritica, fossero stati realizzati senza l'ausilio della Dolly (ovvero una gru a cui è attaccata una telecamera) ma lo stesso operatore (Riccardo Pallottini) si fece legare i piedi al soffitto e muovendosi col busto cambiava inclinazione alla scena puntando sui volti degli attori. Il risultato è estremamente efficace sopratutto in un epoca dove certe sperimentazioni erano ancora pressochè rare.

La trama presenta tracce della letteratura di Agatha Christie, caratterizzata da atmosfere nere e morbose, maggiormente enfatizzate dal rapporto lesbico che Marianne Koch cerca di instaurare con Helga Anders, rapporto che sfocerà in tragedia poco prima che le forze del male scatenino la loro vendetta attraverso un'ondata di fango distruttore. Siamo di fronte ad un horror paranormale dove un gruppo di facoltosi inglesi rimane impantanate sulla strada e trovano rifugio in un vecchio chalet dove un ambiguo Luciano Pigozzi (attore particolarmente presente nelle opere di Margheriti) sta inscenando una seduta spiritica in compagnia della madre cieca.

I viandanti partecipano alla seduta e uno spirito inquieto e vendicativo metterà a nudo le loro colpe e le loro trame in un crescendo narrativo costruito attorno a una serie di  flashback.

L'inserimento dell'elemento lesbico o comunque i riferimenti sessuali in genere sono caratteri che hanno differenziato il nostro cinema da quello estero proprio a partire dai primi anni '70 dove queste storie, intrise di gotico malessere si aprono ad un cambiamento dei costumi popolari, alla rivoluzione sessuale indicando però un libertinismo sempre presente nella storia umana, Una caratteristica questa che proseguirà in tutto il decennio dando un'impronta particolare al nostro cinema di genere.